MANCHESTER JUNTO AL MAR (Manchester by the Sea )

MANCHESTER JUNTO AL MAR

Título original: Manchester by the Sea 

Año: 2016

Duración:135 min.

País: Estados Unidos

Director: Kenneth Lonergan 

Guion: Kenneth Lonergan

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jody Lee Lipes

Reparto:

Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Eri-ca McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Kara Hayward, Susan Pourfar, Christian J. Mallen, Frankie Imbergamo, Shawn Fitzgibbon, Richard Donelly, Mark Burzenski, Mary Mallen 

Productora: Amazon Studios / K Period Media / B Story / CMP / Pearl Street Films

Premios

2016: Premios Oscar: Mejor actor (Casey Affleck) y guion original

2016: Globos de Oro: Mejor actor drama (Affleck). 5 nominaciones inc. mejor película

2016: Premios BAFTA: Mejor guion original y actor (Affleck). 6 nominaciones

2016: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera

2016: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

2016: Premios Independent Spirit: Mejor actor (Casey Affleck)

2016: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guion, actor y actriz secundaria

2016: Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor guion, actor y actriz sec.

2016: National Board of Review (NBR): 4 premios incl. mejor película y actor (Af-fleck)

2016: Premios Gotham: Mejor actor (Affleck). 4 nominaciones

2016: 3 Critics Choice Awards: Guion original, actor (Affleck) actor joven (Hedges)

2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película

2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película

2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guion original

2016: Sindicato de Actores (SAG): 4 nominaciones inc. mejor reparto y actor (Af-fleck)

2016: British Independent Film Awards (BIFA): nom. mejor película intern. indepen-diente

2016: Festival de Gijón: Mejor actor (Affleck) y Premio Especial del Jurado

2016: Satellite Awards: Mejor película (ex-aequo) y director. 7 nominaciones

Si bien sólo recibió dos premios en la 89.ª entrega de los Oscar, año 2016, al mejor guion original, y a Casey Affleck, al mejor actor, como Lee Chandler, protagonista del film, la obra irrumpe como una magnífica realización que excede a los premios y al Oscar mismo. Lo que nos avisa sobre la relativa consideración que debemos tener a la hora de valorar este suceso, tan enraizado e incorporado en la gran producción del cine norteamericano, y por qué no en la cultura del americano medio.

Dicho esto, los planos semánticos y estéticos, emergen sucesivamente como para hacer un merecido esfuerzo y así poder disfrutar del film. Planos que no son compartimientos estáticos, sino que van entretejiéndose, mezclándose y enriqueciendo, modelando la historia y sus personajes. 

Manchester-by-the-Sea es un pueblo muy pequeño, con apenas 6000 habitantes y se encuentra ubicado en el condado de Essex, Estado de Massachusetts. Establecido en 1626-27, incorporado como ciudad en 1645. Probablemente denominado así en honor de Edward Montague (1602-1671), conde de Manchester, aunque puede haber sido nombrado por Manchester, Inglaterra. Antes de 1645, era parte de Salem llamada 'Jeffreys Creeke'. En realidad deberíamos llamarla Town of Man-chester-by-the-Sea, su verdadero topónimo.

Sobre este minúsculo lugar de los Estados Unidos se desarrolla gran parte del cuento cuyo título explicamos brevemente y da vida a la película.

La población original fueron puritanos del s. XVII quienes fundaron Massachusetts, aunque hoy en día conviven diversas iglesias así como etnias, pero en su mayoría son anglo sajones. Este estado tiene 14 condados, y Town of Manchester-by-the-Sea se encuentra en Essex, uno de ellos.

No nos vamos a introducir en la historia, ni en la cultura o la geografía de esta región, tan importante como extensa ya que es uno de los siete estados más grandes del país, y tiene, también centros culturales, educativos y científicos, como la Universidad de Harvard, por citar algo, tan querido a nosotros.

Y ¿por qué entonces, Lonergan, tituló su film de esta manera?

Dos films –entre otros-, ya considerados clásicos, “Manhattan” de Woody Allen y “Paris.Texas” del alemán Win Wenders, incursionaron de la misma manera, no en la mera locación, fueron más allá, sus historias estuvieron penetradas por esos “lugares”, uno el de la inmensa urbe, y el otro por el camino, el tránsito vívido y existencial de los personajes que caminaron por sus calles y el desierto del sur norteamericano.

El film no se dedica a mostrar o describir el espacio en el que se desenvuelven los actores, el entorno comprende a ellos, los abarca y los complementa emocionalmente. El mar, su puerto, las calles, la nieve, son o constituyen elementos narrativos que se diluyen en el mismo drama, en la culpa o el conflicto, en las idas y venidas, las viviendas, o las caminatas por la ciudad. Nos ayuda a entender la historia, la psicología y la naturaleza de las relaciones encontradas hasta su máxima expresión.

Kurosawa (Derzu Uzala, 1975) creaba una tormenta de nieve para clarificar o describir mejor la conflictividad del hombre y sus interrelaciones.  El neorrealismo de De Sica, un hombre y su bicicleta (Ladrones de bicicletas, 1948), para introducirnos en el drama de la posguerra. Eastwood unos puentes (Los puentes de Madison, 1995) en el condado -del que fue su alcalde- para mostrar la duda existencial de la mujer (Francisca) en un espacio rural anodino y rutinario. O la ciudad después de la guerra, su tenebrosas calles y las existencias degradadas de una gran urbe para que Elia Kazan nos enseñe el drama cotidiano de hombres y mujeres desorientados y descreídos. Sólo una narración atenta e inteligente del contexto territorial o urbano puede integrar esos mundos para lograr una fábula profunda. De eso se trata esta película, de ahí su título y su hondura. Sus otros films  –pocos, apenas tres-, ya apuntaban, en ese sentido. 

El premio a la mejor película lo recibió “Moonlight”, del cual vale la pena destacar su originalidad narrativa y temática, en un mundo un tanto apático sobre ciertos temas en los diversos e infinitos mundos narrativos. Y volveremos en su oportunidad. Pero, sobre este otro, apenas galardonado, caben muchas más reflexiones, ya que los lugares y espacios, como en la novela de s.XIX, y principios del XX, funcionan y determinan, con una dinámica vital, las conductas y el desarrollo de las historias. “Cumbres borrascosas” (Emily Brontë, 1847) es un excelente ejemplo.

En realidad Manchester by the Sea es la historia de un retorno, de una ciudad como Boston a este pueblo, de un regreso casi forzado, lleno con una carga de recuerdos personales, familiares y de los que surgen de sus calles, bares y otros relacionados con el mar. El mar está ahí. Sus aguas son un asunto mítico que se involucra quieras o no en esta historia, depresiva historia, complicada historia, conflictiva historia.

¿Cómo se resuelve, cómo hace Lonergan para definirla y terminarla?. No voy a contar el final, sólo hay que verla. Vale la pena.

La complejidad de Lee Chandler está determinada por su historia y por su trágica condición de un hermano muerto recientemente, un conflictivo sobrino a quien debe cuidar y un divorcio con un hijo que debe asumir en medio del pequeño pueblo y de un mar emocionalmente insondable. Esto es, en definitiva, “Manchester by the Sea”. No es mucho, pero su riqueza se encuentra en estas profundidades humanas, y, presumo, en muchos de nosotros, empapados por el mismo oleaje que baña las calles de sus pequeñas vidas.

Héctor Correa

Punta Alta, 10 de junio de 2017

CINEASTAS INTERNACIONALES ABORDAN TEMAS COMO LA RELIGIÓN, EL SEXO, LA POLÍTICA Y LOS VICIOS

Vargas Llosa y Peter Gabriel trabajan para la película "Words with Gods"Vargas Llosa será el curador de las nueve historias que dan vida a "Words with Gods"

MEXICO.- El Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa y el músico británico Peter Gabriel se suman al equipo de Guillermo Arriaga para su película "Words with Gods".

Arriaga anunció el viernes la incorporación del escritor peruano como el curador de las nueve historias que dan vida a "Words with Gods" ("Hablar con Dioses"), mientras que el ex vocalista del grupo Génesis será el encargado de componer la música de entrada del filme, además del tema musical de cierre para los créditos y un cortometraje que acompaña a la cinta.

"Estamos muy agradecidos con la enorme generosidad de Mario Vargas Llosa y Peter Gabriel, quienes aceptaron gustosos formar parte de este proyecto que nos llena de tanta ilusión", dijo el escritor y cineasta mexicano en una rueda de prensa en la Ciudad de México.

"Nunca nos imaginamos que terminaríamos yendo al cine con Vargas Llosa, mucho menos que terminaríamos desayunando en la casa en Londres de Peter Gabriel. ¡Es en verdad un lujo!", añadió.

"Words with Gods" forma parte del proyecto encabezado por Arriaga "The Heart Beat Of The World", una iniciativa fílmica surgida en 2011 en Latinoamérica que incluye cuatro largometrajes dirigidos por un grupo de reconocidos cineastas internacionales que abordan los temas de religión, sexo, política y vicios.

Arriaga, postulado a un Oscar al mejor guion original por "Babel" (2006) y ganador del premio al mejor guion en Cannes por "Los tres entierros de Melquiades Estrada" (2005), relató que buscaban a una persona que hallara la forma perfecta de entrelazar las nueve historias de este filme mexicano.

"Queríamos que esa persona fuera un intelectual, así que elegimos a Mario (Vargas Llosa). Hablamos con él, luego nos reunimos, vio la película dos o tres veces. Después de ver las imágenes, se fue a su casa y por la noche me llamó para decirme que ya lo tenía resuelto", dijo el también director.

"No queríamos traer a un editor que sólo juntara las historias, debía haber una razón de ser, una lógica de por qué un corto y luego otro, y Vargas Llosa fue en definitiva esa persona que tanto buscábamos", agregó el productor Alex García, socio de Arriaga en este proyecto junto con productor el argentino Lucas Akoskin.

Arriaga recordó que el primer encuentro con Peter Gabriel sucedió en noviembre de 2011, cuando el británico visitó la capital mexicana para ofrecer un concierto en el Auditorio Nacional.

"Peter nos recibió en su hotel y se enganchó de inmediato con la idea de participar en la película. Platicamos durante horas, nos enseñó canciones, videos. De hecho, la película arranca con un video que hizo él", dijo.

El escocés Lorne Balfe, conocido por su trabajo en películas como "Sherlock Holmes: A Game of Shadows", "Kung Fu Panda 2" y "The Bible", fue el encargado de la música incidental de "Words with Gods", que se encuentra en plena etapa de postproducción.

Arriaga, cuyos créditos como guionista también incluyen "Amores Perros" y "21 Gramos", explicó que "Words with Gods" es un filme que abordará las diversas religiones en el mundo de forma respetuosa.

"La idea de hacer esta película es acercar a los seres humanos. Hay temas que nos han dividido y la religión ha sido uno de ellos. La religión tiene que ser un punto de encuentro, no de lejanía. Buscamos mostrar que aunque pensamos de manera distinta, no significa que no podamos entendernos", señaló el también autor del libro "El búfalo de la noche".

El proyecto cuenta igualmente con la colaboración del director español Álex de la Iglesia, el brasileño nacido en Argentina Héctor Babenco, el iraní Bahman Ghobadi, el israelí Amos Gitai, el serbio Emir Kusturika, la india Mira Nair, el japonés Hideo Nakata y el australiano Warwick Thornton.

"Buscamos que cada director que participa tuviera una cercanía con la religión que retrata en su trabajo. Mario Vargas Llora ordenó las historias de acuerdo al origen histórico de cada religión, le dio una cronología", comentó Arriaga. "Era difícil organizarlo, complicado, y casualmente ese orden también le dio cierto balance editorial".

Arriaga se sumó a la lista de realizadores que participan en "Words with Gods", donde abordará el tema del ateísmo. Adelantó que el cortometraje que dirigió, protagonizado por Demián Bichir, se filmó en formato de 35 mm, con locaciones en el estado mexicano de Veracruz. Las ocho historias restantes se rodaron en Australia, Brasil, India y Japón.

Sobre el actor mexicano nominado a un Oscar por su trabajo en "Una vida mejor" (2011), dijo que "el compromiso que mostró Demian fue mucho, porque lo puse a subir y bajar un cerro bajo una temperatura de 6 grados, recién había llegado de Tokio".

Los títulos de los otros tres largometrajes que forman parte de "The Heart Beat Of The World" son "Encounters", que estudiará el sexo como identidad, expresión y diferencia; "Into the Bloodstream", que reflexionará sobre la relación del individuo, las culturas y las sociedad con las sustancias que se ingieren, inhalan, beben o fuman; y "Polis", que sumergirá al espectador en la sustancia de la vida política.

14 de octubre de 2014

Powered by OverKontrol - Grupo Diario Libre © Todos los derechos reservados.

DIÁLOGO SOBRE CULTURA Y RELIGIONES

Busca Arriaga diálogo sobre cultura y religiones - Grupo Milenio

11 de octubre de 2014

Busca Arriaga diálogo sobre cultura y religiones

El cineasta presentó la cinta 'Words with Gods' en el Festival Internacional de Cine de Chicago.

Guillermo Aarriaga presentó la cinta ‘Words with Gods’ en el Festival Internacional de Cine de Chicago. (CuartOscuro )

EFE 10/10/2014

Chicago 

El director y guionista mexicano Guillermo Arriaga presentó Words with Gods en el quincuagésimo Festival Internacional de Cine de Chicago, una película que fue creada para despertar en el público "un diálogo sobre cultura y religiones".

"De niños siempre nos dijeron que no se podía hablar en la mesa sobre religión, sexo, política o drogas", declaró a Efe en un a entrevista telefónica.

"Pero esos temas han sido superados, ya no podemos pelearnos sino que debemos encontrar puntos de encuentro para que nadie se a rechazado o muerto por su religión, preferencia sexual o política", agregó.

En su opinión, "tenemos que conocernos unos a los otros y dialogar", y con ese concepto ideó tres años atrás una antología qu e reunió a nueve directores y a más de mil personas.

"Fue un esfuerzo de una diversidad nunca vista en el mundo cinematográfico", expresó el cineasta que tiene en su haber produc ciones exitosas como Amores perros (año 2000), 21 gramos (2003) y Babel (2006).

En Words with Gods se abordan durante dos horas las relaciones entre las diferentes culturas y religiones, a cargo de "directores admirados por su visión autoral", pero también comprometidos o cercanos a lo que iban a tratar.

Al australiano Warwick Thornton le correspondió la espiritualidad aborigen, filmada en el desierto; el argentino -brasileño Héctor Babenco filmó sobre la religión umbanda en la ciudad de San Pablo y Mira Nair, de la India, lo hizo sobre el hinduísmo en Mumbai.

El director serbio Emir Kusturica abordó el cristianismo ortodoxo en las montañas de su país; Bahman Ghobadi, de Irán, se enf ocó en la fe islámica en Turquía, y el israelí Amos Gitai trabajó sobre el judaísmo y la integración multicultural en Israel.

El curador del proyecto fue el escritor peruano Mario Vargas Llosa, quien según Arriaga fue incorporado como "un pensador" pa ra ayudar a que los diferentes segmentos tuvieran "peso y sentido".

"Nadie mejor que un gran contador de historias, que le otorgó demás a nuestro trabajo un marco de análisis y crítica", dijo A rriaga sobre el ganador del Premio Nobel de Literatura de 2010.

El rodaje de la película en nueve países demandó un año y tres meses, a lo que se agregaron animaciones realizadas por la artista visual Maribel Martínez y la música compuesta por el inglés Peter Gabriel, de quien Arriaga destacó su "enorme humildad y generosidad".

Words with Gods se presentó recientemente fuera de competencia en los festivales internacionales de cine de Venecia y Río de Janeiro, y después de Chicago se verá el mes que viene en Los Cabos.

Arriaga dijo que antes de llegar a la difusión comercial de la película se realizarán exhibiciones para líderes religiosos, p olíticos, activistas sociales y universidades.

"Queremos crear una plataforma distinta, un boca a boca durante seis meses, para que la gente vaya a verla con un ánimo disti nto y salga con ganas de discutir y dialogar en el café o durante una cena", concluyó.

Insertado desde http://www.milenio.com/hey/cine/Guillermo_Arriaga-Words_with_Gods-Festival_Internacional_de_Cine_de_Chicago_0_388161485.html

DERSU UZALA. LA NATURALEZA Y LA PEQUEÑEZ DEL HOMBRE

DERSU UZALA

"DERSU UZALA", DEL DIRECTOR JAPONÉS AKIRA KUROSAWA, ES LA SEGUNDA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "EL CINE DE AKIRA KUROSAWA" QUE ESTÁ ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI EN EL SEGUNDO TRIMESTRE DE 2013.

Japón-URSS, 1975. Director: A. Kurosawa. Productores: Yoichi Matsue y Nikolai Sizov. Guion: Akira Kurosawa y Yuri Nagibin, basado en la novela de Vladimir Arsenyev, "Dersu, okhotnik". Fotografía: Fyodor Dobronravov, Yuri Gantman y Asakazu Nakai, en Color. Música: Isaak Shvarts. Dirección artística: Yuri Raksha. Montaje: Akira Kurosawa y Vladimir Stepanovoi. Duración: 144 min. Intérpretes: Maksim Munzuk (Dersu Uzala), Yuri Solomin (Cap. Vladimir Arseniev), Svetlana Danilchenko (Sra. Arseniev), Dmitri Korshikov (Wowa), Suimenkul Chokmorov (Jan Bao), Vladimir Kremena (Turtwigin), Aleksandr Pyatkov (Olenin).

“Dersu Uzala” es una película tremendamente humana. Cuenta que la gran taiga rusa alberga un viejo cazador quien vive en perfecta comunión con la naturaleza. Sólo la presencia de lo extraño altera el equilibrio esencial de ese entorno donde el árbol y el animal, no sólo constituyen la vida sino también el sentido de la tierra. La pérdida de ese delicado equilibrio es la catástrofe. Sobre este relato la obra de Kurosawa irradia esa esencialidad, nos advierte acerca de los peligros que el progreso irracional y desmedido nos puede traer. Sólo "Dersu, okhotnik", como lo llama el autor de la obra en la que se asienta este relato cinematográfico, o "neneyet" como llaman al cazador de la región, comprende, o mejor, forma parte vital de esa inclemente naturaleza, con la que mantiene un permanente diálogo y aprendizaje. Lo que le permite acercarse a los lugares y a la vida total que es el contexto en el que se desarrolla la historia escrita por  Vladimir Arsenyev, historia llena de una irreprimible emoción por la personalidad de Dersu y su peculiar existencia rodeado de lo que lo identifica y mantiene con vida. Las principales preocupaciones del mundo de Kurosawa están en este film, pero va más allá, se interna en lo humano profundo, en el principio de la existencia, y en la trascendencia de lo natural con un claro sentido ético y moral. Las exploraciones de la taiga realizadas por el explorador ruso Vladimir Arsenyev (1869-1930) fueron la fuente inspiradora para la creación de esta historia y este personaje tan particular, lleno de un sentido de la solidaridad que sólo se compara con el amor a la tierra y a sus habitantes de una las regiones más dificultosas del mundo, desde el punto de vista geográfico. 

“En 1923 publicó su obra más famosa, Dersu Uzala ('El Cazador'), que describe sus experiencias en la frontera de Rusia con China en 1902, junto a un guía que le había acompañado en sus expediciones. En esta obra excepcional, Arseniev narra sus aventuras en el corazón de la taiga y, sobre todo, su relación con este viejo cazador, capaz de dialogar con la naturaleza. La obra fue más tarde adaptada al cine en una de las películas más importantes del maestro japonés Akira Kurosawa, y quizás una de las mejores de la historia del cine, Dersu Uzala. (Texto extraído de www.mcnbiografias.com).”

La proyección de “Dersu Uzala” de Akira Kurosawa, en la Biblioteca Juan B. Alberdi será el sábado 08 de junio a las 18 hs. y la entrada es gratuita.

LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA. UN VIAJE HACIA LAS PROFUNDIDADES DEL HOMBRE Y LA TIERRA

Ficha técnica:

Dirección: Akira Kurosawa

Guion: Akira Kurosawa

Música: Shinichirô Ikebe

Fotografía: Takao Saito y Masaharu Ueda

Montaje: Tome Minami

Protagonistas: Akira Terao, Mitsuko Baisho, Toshie Negishi, Mieko Harada, Mitsuno-ri Isaki, Toshihiko Nakano, Yoshitaka Zushi, Hisashi Igawa, Chosuke Ikariya, Chishu Ryu, Martin Scorsese, Masayuki Yui

Datos y cifras

País(es) Japón, Estados Unidos

Año 1990

Duración: 119 min

Idioma(s): Japonés, Francés, Inglés

Compañías: Productora Warner Bros. Pictures, Akira Kurosawa USA

CINE CLUB “DOS MIRADAS”

BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI

Para el día sábado 18, a las 18 horas, se programó la exhibición del largometraje “Los Sueños de Akira Kurosawa”, representativo de la cultura universal y japonesa.  La entrada es libre. 

Esta muestra consistirá en la exhibición, análisis y comentarios, primero de este film, que es una de las tres películas más representativas de la extensa filmografía del gran director: Los Sueños (1990), Dersu Uzala (1975), y Rashomon (1950).

La actividad tiene como objetivos promover la formación de encuentros para el cine, utilizando como herramienta films basados en obras del cine y la literatura universales; acercar a los estudiantes de la disciplinas afínes a las instalaciones del Cine Club de la Biblioteca Alberdi; así como también generar una instancia que estimule las aptitudes críticas de los espectadores frente a los distintos modos de entender la cinematografía como obra de arte.

En cada sesión se darán a conocer algunos elementos, nociones y comentarios en torno a la película. Con este fin, a cada asistente se le hará entrega de la ficha técnica de la película programada, acompañada de una contextualización y de un conjunto de actividades relacionadas con el contenido del filme.

A continuación de la exhibición se desarrollará una discusión crítica en torno a los contenidos de la obra, donde  el público podrá hacer preguntas o exponer sus comentarios.

El Cine Club “Dos Miradas”, es dependiente de la Biblioteca Juan. B. Alberdi de Punta Alta, en el marco de su Programa de Apoyo al Cine Arte en sus salas para la realización de todas sus actividades. 

Héctor Correa

Punta Alta, mayo de 2013

EL ÁRBOL DE LA VIDA. LA GRACIA Y LA NATURALEZA

Película: El árbol de la vida.

Título original: The tree of life.

Dirección y guion: Terrence Malick.

País: USA.

Año: 2011.

Interpretación: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve).

Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. Música: Alexandre Desplat.

Fotografía: Emmanuel Lubezki.

Montaje: Mark Yoshikawa.

Diseño de producción: Jack Fisk.

Vestuario: Jacqueline West.

Distribuidora: Tripictures.

Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2011 y del Gran Premio de la FIPRESCI 2011.

Filmografía:

Lanton Mills (1969)

Malas Tierras (Badlands) (1973)

Días del Cielo (Days of Heaven) (1978)

La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line) (1998)

El Nuevo Mundo (The New World) (2005)

El Árbol de la Vida (The Tree Of Life) (2011)

¿Dónde estabas cuando cimenté la tierra?

Cuando cantaban las estrellas del alba y los

hijos de Dios se regocijaban.

Job 38:4,7

Terrence Frederick Malick nació el 30 de noviembre de 1943 en Waco, Texas, EE.UU., o sea que tiene 67 años y filmó sólo unas pocas películas, 6 en total. En Estados Unidos esto constituye algo insólito, en nuestro país un realizador saltaría de alegría.

Dos extraordinarias obras preceden a ésta de Malick, una es “2001 Una odisea del espacio”de 1968, y la rusa “Solaris” de 1972. Ambas indagan los misterios de la vida, el origen del universo y la infinitud. Ambas se plantean hacia dónde se dirige el hombre y la conciencia de su lugar en el universo.

La gracia, uno de los conceptos teológicos más polémicos del cristianismo, para este autor, es una opción de vida, frente a la implacable naturaleza, la otra alternativa, lo que implica llegar o no a las puertas del más allá. Las etapas del desarrollo del hombre, el nacimiento, la iniciación, la pérdida de la inocencia, la representación del amor, la misericordia en la madre y el autoritarismo y la afirmación de la lealtad en el padre, se van desarrollando en imágenes mientras las dudas sobre la existencia y el paso sobre la tierra se mezclan con la deshumanización de la gran ciudad en contraste con la voluptuosidad de una naturaleza que en algún momento nos llama y exige nuestra contraparte.

Es la adultez de Jack, sus cuestiones y preguntas, su confusión frente a los misterios, los desafíos y la crudeza que le insume una religiosidad a la que debe enfrentar y asimilar, en una sociedad, como la norteamericana, imbuida de creencias y destinos prefijados incuestionables.

La estructura narrativa del film se asienta, como en casi todas las obras de Malick, en una pequeña historia, en este caso, una típica familia de Texas, un padre autoritario, veterano de guerra, una madre iluminada por una misericordiosa religiosidad, Gato, el hijo que sufre y va perdiendo su inocencia, y dos hermanos más. Pronto la muerte despierta e irrumpe la relativa tranquilidad de la familia. ¿Cómo, desde el punto de vista del cristianismo, Jack ve esos acontecimientos. Por un lado, las relaciones familiares, impregnadas de rigidez y violencia, por el otro la muerte que impacta en el seno familiar disparando interrogantes y múltiples dudas.

El lenguaje cinematográfico es rico y complejo. Puede someter cualquier realidad, trasladar lo literario a imágenes y llenar de poesía el fotograma, una escena y cada secuencia de un film. Ahora, adentrarse en lo religioso, lo metafísico y la especulación teológica insume un esfuerzo inconmensurable de elaboración estética y técnica. Malick ha recurrido en este film a la conciencia mítica, a las, a veces, distorsionadas relaciones familiares llenas de destino manifiesto y belicismo, a las bíblicas imágenes de un neoplatonismo exacerbado, y ha tenido que, como Kubrick, remontarse a los albores del hombre y nuestro planeta, de los seres vivos, hasta las fantasmagóricas figuras donde Jack vuelve a ver a sus seres queridos.

Esta geografía místico-geológica sobre el origen de la vida que crea Malick es la consecuencia natural de llevar los conflictos del microcosmos humano a dimensiones de orden religioso, como una forma de desarrollar cinematográficamente los pensamientos de  Jack que no puede dejar de evocar en sus dudas y pensamientos sobre la soledad y la lucha individual frente a semejante historia, nada menos que la iniciación y el desarrollo universal de la vida.

La gracia y la naturaleza dividen las aguas frente a la actitud del hombre ante su mundo, la primera libera y deja librada a la conciencia individual los destinos de la tierra, la segunda es inexorable, no puede ser controlada por el ser humano, se manifiesta de muchas maneras, la muerte es una de ellas. Gato, deja de ser niño cuando ve que todo se torna sombrío frente a la enfermedad y la muerte.

El árbol extiende sus ramas, va creciendo y llega a su madurez cuando el perdón ilumina la vida de Jack y mira a su padre ya con otra mirada de comprensión y esperanza. Los vínculos madre-hijo o padre-hijo ayudan a explorar la evolución de la vida en el planeta, según Malick. Todo está estrechamente enlazado. La armonía vital se repite y los períodos geológicos, junto con la vida que en ellos se desarrolla, son una cabal expresión que el hombre reproduce a escala microscópica.

Jack camina y transita mientras va entendiendo que su paso por el mundo debe contener una nueva conciencia. El panteísmo filosófico del director va dirigiendo las imágenes mientras la voz de Jack pregunta, duda, como Job, castigado eternamente en forma incomprensible, sufriente, haciéndose cargo de los errores del hombre, de la soledad que emana de la arquitectura deshumanizada por la que transita Jack, de los desastres de la naturaleza, de la agresividad hacia la vida, en fin, de los males del mundo. ¿Dónde estabas?  es la pregunta, mientras todos se regocijaban ante el mundo.

Al fin y al cabo el padre y la madre no son más que reflejos de esa partición. La naturaleza es autoritaria, insumisa, tiene reglas inflexibles y cumple el mandato que la gracia no tiene, la bondad de ésta es infinita, y puede ser agraviada, agredida y maltratada. Es el lado religioso del discurso panteísta de Malick. Utiliza la cita bíblica para tratar de explicar como la parábola la evolución de la vida y el planeta. Su obra, “El árbol de la vida”, como su título lo indica no es más que una extensa parábola extraída de uno de los libros más explorados e investigados del universo: La Biblia.

Héctor Correa

Punta Alta, noviembre de 2011

WINTER´S BONE (LAZOS DE SANGRE). LA RURALIDAD MARGINAL NORTEAMERICANA

Título: Winter’s bone. Dirección: Debra Granik. País: USA. Año: 2010. Duración: 100 min. Interpretación: Jennifer Lawrence (como Ree Dolly), John Hawkes, Kevin Breznahan, Dale Dickey, Garret Dillahunt, Sheryl Tate Taylor. Guion: Debra Granik y Anne Rosellini; basado en la novela de Daniel Woodrell. Producción: Anne Rosellini y Alix Madigan-Yorkin. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Michael McDonough. Montaje: Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Mark White. Vestuario: Rebecca Hofherr. Distribuidora: Golem. Estreno en USA: 11 Junio 2010.

Premios: en el Festival de Cine de Sundance,  Gran Premio del Jurado al mejor drama, Premio al mejor guión.

Festival Internacional de Cine de Berlín y los premios a la mejor película y mejor actriz y el Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Estocolmo.

El filme recibió siete nominaciones a los Premios Independent Spirit de 2010, ganando las categorías de mejor actor de reparto (Hawkes) y mejor actriz de reparto (Dickey).

Asimismo, Jennifer Lawrence fue nominada al Globo de Oro a la mejor actriz - Drama por su actuación.

Winter's Bone también recibió cuatro nominaciones para los Premios Oscar en las categorías de mejor película, mejor guión adaptado, mejor actriz (Lawrence) y mejor actor de reparto (Hawkes), pero no ganó en ninguna categoría.

La meseta de Ozark abarca los estados estadounidenses de Missouri, Arkansas, Illinois y Kansas, al sur del país. Su ecosistema conformado por el bosque en donde la precipitación es escasa, como en la parte occidental, con praderas de pastos cortos y matorrales, aunque también hay pinos de piñones, enebros y pinos ponderosa que crecen en las proximidades de los ríos y en el lecho de los arroyos, en el extremo oeste de la panhandle. También los pantanos, los bosques de cipreses mezclados con Pinus echinata, pinos taeda y bosques de hoja caduca dominan el sudeste del estado, mientras bosques de robles encino, olmos, cedros y pinos cubren el noroeste de Oklahoma. La peculiaridad de los sonidos del banjo, en este entorno, la melancólica y triste música country, configuran el marco apropiado para el desarrollo de este film de Debra Granik que toma la ley del silencio de sus personajes como la ruta, el camino que la protagonista debe abordar y enfrentar para resolver un enigma no apto para una chica de 17 años.

En realidad habría que hablar de la novela de Daniel Woodrell, un narrador nacido en Springfield, Missouri, de 58 años, cuya vida transcurrió durante mucho tiempo en las colinas de Ozark. Missouri es un estado empobrecido, y entre míseras granjas y cocinas de metanfetamina la joven Ree inicia la búsqueda de su padre. No se ve en ningún momento la imagen del Jessup, arrestado por cargos de narcotráfico, y cuya fianza es ni más ni menos la casa de la familia. Ree debe encontrarlo vivo o muerto, de lo contrario pierde todo. Y la resolución de este objetivo es su liberación pero su trampa también ya que esas colinas, esas granjas, ese entorno, su familia, constituyen un medio tribal de complicidades y silencios no sólo alrededor de su padre sino también como una forma de relacionarse y establecer lazos que debe respetar y obedecer. El “clan” define un grupo humano unido por relaciones familiares. En los pueblos primitivos, en función de estas relaciones, el incesto era prohibido. Además, su estructura era matriarcal, la mujer tenía un rol preponderante y definía muchas de las cuestiones relacionadas con la vida del clan. El film refleja este sistema y la protagonista, mujer joven, inicia su camino acudiendo a las mujeres de su familia como un primer intento de desentrañar la desaparición de su padre. La supervivencia, en un medio hostil y violento, se torna para Ree en un aspecto que no debe descuidar, más teniendo en cuenta sus dos pequeños hermanos y su madre enferma. La tribu tiene sus propias reglas, sus códigos éticos y morales, y antepone la defensa de sus integrantes cuando es necesario, siempre y cuando no rompa, el individuo, esas normas rígidas e inflexibles. Aquí no importa si cultivan para proveerse de alimentos, crían animales, o cocinan droga para el tráfico hacia afuera. La mujer cuida de su progenie, mientras que el hombre desarrolla la tarea ilegal. Está estipulado así, y así esta pequeña debe someterse quiera o no. La virtud o lo bueno del guión es la concepción de algunos personajes, hechos con cierta dosis de humana consideración y ternura, primero hacia los niños en medio del medio hostil, pobre y desamparado, y luego hacia la continuidad inevitable de la vida, lo que implica un categórico pero lastimoso no al ejército al que aspira enrolarse Ree.

Por detrás los acordes de un banjo y de violines, la melancólica voz de una mujer cantado música country y las reuniones familiares alrededor de los músicos, van configurando ese “noir country” de las montañas de Ozark, donde los vínculos van más allá de lo parental y se constituye en un modo de vivir, difícil de abandonar, por lo cual la iniciación de Ree va enmarcada por la pobreza de la región más las obligaciones que lo tribal le impone. El "realismo regional" se va perfilando como género y como un modo de ver y analizar la realidad local por parte del autor de la novela donde describe esta comunidad rural, enferma, atrapada, como, al parecer acontece en otras, en un mundo asentado en la sabiduría del manejo de las drogas. El film se torna en una clara y extraordinaria imagen de esta sabiduría vital de una cuasi-horda rural. La lealtad se hace imprescindible, sino no hay supervivencia, no se sobrevive, y esto lo aprende Ree en su periplo desgarrante hacia un fin predecible.

Debra Granik 

Ya en las primeras imágenes del film, el crudo invierno, el primer plano del desolado árbol, rodeado por vehículos abandonados o semiabandonados, y algunas construcciones que no se sabe bien para qué están, más los niños jugando en ese entorno, con la música country, triste y dolorida, y el fondo de la casa-rancho de madera donde viven, representan el paisaje, la gente, y los dialectos con un realismo sorprendente. Y si a esto le sumamos la figura de Ree colgando ropa recién lavada, realizando tareas domésticas cuidando de sus pequeños hermanos, la historia se nos ocurre que puede llevarnos por caminos insospechados dentro de esa cultura contaminada de anfetaminas y abandono, por más tribal o familiar que nos parezca.

Un día un policía le comunica que se está venciendo el plazo de la libertad condicional dado a su desparecido padre para presentarse ante la Justicia, libertad condicional obtenida gracias a haber recurrido a la garantía de la vivienda que hoy están ocupando Ree, sus hermanitos y su madre enferma. Este anuncio dispara el neorrealismo rural y regional de la obra para mostrarnos un gueto tribal donde sus habitantes, entrelazados genéticamente, esconden secretos inconfesables y practican actividades ilegales. El silencio inunda las marismas, los bosques de cipreses y pinus echinata. El “noir país” como denomina el autor su realismo regional aparece en su máxima expresión y perfila el paisaje, las viviendas y los habitantes.

Las imágenes revolotean, la presencia del padre nunca mostrado, casi del innombrable, es una figura vívida y a la vez ignota, determina muchos resortes del cuento, y sólo al final lo único que podemos ver son sus cadavéricas manos. Su no presencia es una apariencia en realidad escatológica, destinada más a expiar las vergüenzas del clan que a salvar a su hija. Todos saben algo alrededor del padre, como en el mito griego el destino envuelve los personajes, el silencio es parte del juego trágico, y hasta la madre enferma preanuncia el final imposible de modificar. Sólo una prueba final separa la vida de la muerte, la protagonista, Ree, deberá, acompañada por la mujeres del clan, superar el desafío y una vez hecho todo volverá a ser más claro, y la vida seguirá su curso y lo establecido no será profanado, por lo que el ritual iniciático habrá sido realizado en ese pequeño espacio de colinas y bosques milenarios. Los niños de la mano de Ree seguirán jugando y heredarán el viento.

 El film es un policial negro contado sobre un medio rural marginal de las montañas de Ozark en el estado de Missouri. La protagonista no va más allá que unos metros en todo su periplo investigativo, es el espacio bien delimitado de los clanes, espacio mítico, donde lo que está más allá es lo oscuro y peligroso, pero la narración es tan rica que prácticamente a través de sus ojos la vida tribal se nos presenta en una dimensión nunca antes vista. La marginalidad y la pobreza en ciertas regiones de los EE.UU de poco acceso y desolado paisaje, como éste, es quizá la razón de ser de la película. El western es hoy el realismo regional de los sectores marginales rurales, con toda su problemática de aislamiento, soledad, abandono y narcotráfico. El primitivismo que emana de las relaciones humanas, el espacio concebido como vital y trascendente, y el tiempo que determina el cuándo de todas las actividades de sus miembros, se constituyen en este caso en el elemento primordial de la unidad del grupo, los actos de gobierno y la organización que le da su carácter inexpugnable y perpetuo.

La complejidad cultural en la cual debe moverse Reed es un trabajo insoslayable por parte de los autores. Su padre debe aparecer vivo o muerto, de cualquier manera es su único recurso para la supervivencia de ella y sus hermanos. Las mujeres saben eso, conocen el destino y el final de la historia, sólo deben cuidar que las normas, rígidas normas, se cumplan quieran o no quieran los hombres. El film termina con los acordes del banjo en las manos de uno de los niños, es el retorno eterno e ineluctable y la comunidad verá garantizada su existencia, sea como sea es su lógica.

Héctor Correa

Punta Alta, octubre de 2011

RAPSODIA EN AGOSTO, el ojo nuclear “Hachi-gatsu no kyōshikyoku”

Según una leyenda japonesa, tu mayor deseo se hará realidad, si construyes mil grullas de papel. La consigna de crear grullas de papel en la lucha por la paz, se remonta a la historia de una de las pequeñas víctimas de la bomba de Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial.

Sadako Sasaki tenía dos años cuando cayó la bomba en Hiroshima, ciudad en la que vivía. Diez  años más tarde (cuando tenía 12 años), como consecuencia de la irradiación que le produjo la bomba de Hiroshima, los médicos le diagnosticaron leucemia. Cuando la pequeña Sadako estaba en el hospital recuperándose de su enfermedad, su amiga Chizucho le explicó la historia de las 1.000  grullas de papel. La historia consiste en que si deseas algo con mucha fuerza y  construyes 1.000 grullas de papel (papiroflexia), los dioses te concederán ese deseo que tanto anhelas.

Es así como Sadako deseó curarse de su terrible enfermedad y para ello se propuso construir por sí misma 1.000 grullas de papel, aunque no logró conseguirlo porque falleció mucho antes de poder acabarlas todas. Murió en octubre de 1955 y sólo había conseguido plegar 644 grullas de papel. Simbólicamente, sus amigos continuaron su misión y completaron las mil grullas, con la esperanza de que se evitaran las guerras en el futuro y se consiguiera la paz entre todos los países del mundo. Tres años más tarde de la muerte de Sadako, los niños de toda la ciudad de Hiroshima le dedicaron una estatua de ella con una grulla en su mano. La estatua está en el  Parque de la Paz de Hiroshima.

Cada año, para el 6 de agosto, Día de la Paz, llegan miles de grullas de papel a Hiroshima desde todos los lugares del planeta. Los niños de la ciudad cuelgan las grullas en el monumento de Sadako, con la esperanza de transmitir este mensaje a todo el mundo.

En estos días, como consecuencia del Terremoto de Japón, muchísimas personas y asociaciones de todos los lugares del mundo se han propuesto construir grullas de papel con la finalidad de enviarlas a Japón. En Japón hay personas encargadas de recoger estas grullas que la gente envía anónimamente y colocarlas en los distintos templos del país, con el deseo de que Japón pueda salir de la pesadilla  que está viviendo y que la vida, la salud, la esperanza y la prosperidad se restablezcan de nuevo en sus vidas.

Una japonesa residente en Madrid ha recuperado la leyenda japonesa de las mil grullas de papel para pedir a los internautas que se unan a esta iniciativa de abrazo y ánimo a Japón que simboliza la paz.

A través de una página web llamada ‘Las 1.000 grullas ‘.  Makiko pide ayuda para completar las mil grullas de papel de las que habla la leyenda. Quien las complete, recibirá un deseo. Y ése, ahora mismo, no es otro que el fin de la amenaza de catástrofe nuclear y la mejor de las suertes para todos los damnificados. La grulla de la paz deja ahora paso a la grulla de la solidaridad, que desde todos los rincones inunda ya las webs con múltiples mensajes de apoyo.

¿Por qué un grulla?

Para los japoneses la grulla es el símbolo de la paz, como para nosotros lo es la paloma blanca. Para los japoneses la grulla además de paz significa salud.

¿Qué es una grulla?

Las grullas son aves de espacios abiertos. Se desplazan dando zancadas con sus largas patas  y recogen semillas e insectos con sus largos picos. Viven en bandadas y muchas de ellas recorren largas distancias para criar. Las distintas variedades de grullas tienen en común que se emparejan de por vida. Son muy fieles.

¿Qué es el origami?

El origami es parte integral de la cultura japonesa desde hace más de 1.000 años .  Su técnica se  basa en el plegado de papel para crear figuras (papiroflexia).

Aquí os dejo un vídeo precioso que ilustra sin palabras la triste historia de Sadako Sasaki. Os animo a verlo porque es realmente conmovedor.

Extraído de PitBox Blog

Leyenda de Sadako Sasaki y las mil grullas de origami. Mil grullas por Japón. Una leyenda para la esperanza.

Publicado el 19 marzo, 2011 por VitaraX

Según Akira Kurosawa la sociedad japonesa olvidó un poco las explosiones nucleares de Hiroshima y Nagasaki, masacre que dio por terminada una de las guerras más crueles que recuerda la humanidad. Las explosiones se produjeron el 6 y el 9 de agosto de 1945, entre ambas el lapso fue de apenas tres días, y la distancia entre las dos ciudades es de aproximadamente 300 km. Las bombas contenían cabezas de uranio-235 y plutonio-239, capaces de derretir todo lo que encontrara a su paso en un radio de 11 km. Una de ellas, la primera, fue denominada Little Boy y la otra, la segunda, Fat Man, por los norteamericanos. Unos años antes prominentes científicos, incluido Albert Einstein, habían mencionado que el material usado era una poderosa fuente de energía, incluso para fabricar bombas, y así fue. No es necesario hablar de víctimas, hoy todavía las estamos viendo. Lo paradójico es que entre las condiciones de la rendición japonesa una de ellas impedía a Japón tener armamento nuclear para lo cual se adoptaron los llamados “tres principios antinucleares”, establecidos precisamente para lograr esto. Pero, y a pesar de esta imposición, el mayor castigo de EE.UU al imperio japonés, antes de la guerra, fue quitarle la provisión de petróleo, lo que sin duda obligó, en el futuro, a que construya 16 centrales nucleares en la isla geológicamente más inestable del planeta.

El cine de Kurosawa, a pesar de haberse nutrido de los grandes maestros de la literatura y el cine occidental por lo menos en el aspecto formal, conceptualmente retoma muchos tópicos relacionados con la cultura y los mitos japoneses. Desde sus primeras obras, pasando por “Vivir”, “Rashomon”, “Yojimbo”, la extraordinaria “Dersu Uzala”, hasta “Los sueños” y “Madadayo”, lo que no podemos negar es la poderosa influencia de ese occidente, y filmó pensando en esos tres componentes: la cultura occidental, la mitología japonesa y la estética del cine universal, especialmente ruso y norteamericano. Esto lo llevó a componer imágenes llenas de aristas tomadas del western, la literatura rusa (Gorki, Dostoievski) e inglesa (Shakespeare), y los peculiares rasgos orientales históricos y hasta religiosos. “Rapsodia en Agosto” vuelve su mirada sobre la sociedad japonesa, incorpora la tragedia bélica y advierte sobre las catastróficas transgresiones del hombre sobre la naturaleza que guarda sus propias e inquebrantables que leyes que debemos respetar para no despertar su ira, sus fuerzas milenarias y su gran poder destructor. Ya en Los Sueños, en el primer cuento, el niño no debió espiar, no debió inmiscuirse, ni apenas mirar, los naturales ritos de los seres que pueblan los bosques, por lo que debe someterse a un duro y mortal castigo por sus propias manos. En medio de sus sueños, en otra historia, la devastación es el final del hombre casualmente por la radiación. Y sobre el final, uno de los más bellos, el anciano le enseña al visitante los bailes rituales funerarios de los habitantes de una pequeña aldea enmarcados por la madre naturaleza, sus rítmicos movimientos y la mística integración ancestral con el entorno. El ojo, inmenso ojo acusador, domina la pantalla, en Rapsodia en Agosto. El hongo nuclear, los vientos tornados en malignos, las fuerzas naturales desatadas, la incomprensión de las generaciones jóvenes, el egocentrismo de una sociedad superoccidentalizada e indiferente, son los elementos contra los que deben luchar los que aún guardan (como la abuela) la memoria de la tragedia atómica. Los mensajes de Kurosawa son claros y no se dirigen con exclusividad a recordar las bombas. Su homenaje está cargado de transparentes advertencias sobre la naturaleza de la transformación cultural, social y económica de un Japón atrapado entre la rígida rutina del hombre medio aún creyente en el viejo stablishment imperial, con su hábitos, sus costumbres ancestrales y su lógica oriental, y un proceso occidentalizador de sometimiento a condiciones impuestas, negocios conservadores de un status quo asentado por limitaciones geopolíticas, y una cada vez más férrea dependencia que mira no hacia oriente precisamente. Kurosawa en cada film, en cada imagen, en cada diálogo, observa esa contradicción y transmite la depresión resignada de una derrota demasiado cara.

En “Rapsodia en Agosto” muestra tres generaciones, sus actitudes y la reacción social frente al holocausto nuclear. La consternación y el vacío de la incomprensión de los más pequeños; la irracionalidad y la indiferencia, o el olvido, de los hijos de las víctimas; y el recuerdo cargado de odio y resignación de los sobrevivientes que ven cómo sus hijos y nietos miran con la distancia del descreído una historia que ya no es de ellos. El paisaje, la tierra, el árbol y la montaña, dejan de constituir elementos llenos de esencialidad, para ser sólo cosas, objetos, desprovistos de vida y entidad. Por supuesto, toda la obra de Kurosawa esta cruzada por esta concepción. En otra nota habíamos hablado de “Dersu Uzala”, quizá la más apropiada y adecuada para establecer su estética a partir de la fundamental y medular relación hombre-naturaleza. Los mundos de Dersu Uzala y la taiga se encuentran y constituyen un solo y esencial ente, síntesis del fundamento existencial de la tierra que pisamos, que no debe ser ni desvirtuada o ultrajada, por el contrario deberá ser protegida y cuidada como lo más valioso y principal.

El cine norteamericano ha realizado algunas películas sobre Hiroshima y Nagasaki, cabe destacar sólo una realmente. Llena de ironía, como no podía ser de otra manera, Kubrick con “Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” (Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba), destaca dos cosas en especial, el espíritu festivo y despreocupado de las autoridades militares y civiles de EE.UU al tomar y llevar a cabo los lanzamientos, y la lógica del norteamericano medio para defender a ultranza el estilo de vida que jamás van a perder, cueste lo que cueste. Por otro lado el francés Alain Resnais, autor de “Hiroshima, mon amour”, film del año 1959, donde, fiel a su trayectoria documentalista y narrador comprometido, transforma en imágenes la novela del mismo nombre de Marguerite Duras, dirigida a penetrar en las conciencias de los protagonistas con todas sus consecuencias de índole existencial que provocó semejante hecatombe con su carga de angustia, dolor, miedo y destrucción.

Mencionar estos films, no necesariamente relacionados con la catástrofe del terremoto y posterior tsunami en Japón, nos hace reflexionar sobre otras consecuencias aún más letales todavía, como las averías en las centrales nucleares y la contaminación radioactiva derivada. Nos hace pensar en la historia del imperio japonés, en su pueblo, en esa pequeña isla superpoblada, en sus avances tecnológicos, en sus guerras, en sus mega ciudades, su peculiar religiosidad llena de mitos y leyendas, sus avances imperialistas y expansionistas, su particular visión del mundo, sus derrotas militares, sus rituales cotidianos, sus extraordinarios avances, su consumismo y su extraña relación con el occidente. Todo sobre una también distintiva geografía, inestable, pero también temida y reverenciada. Conjunción, combinación de poderosos factores que llevaron y la llevan a ser hoy en día uno de los países que más atención produjo en la historia de la humanidad. Tendrá que ser socorrida, tendrá que ser protegida y tendrá que ser estudiada como modelo de soberbia, altivez y valentía, todo al mismo tiempo.

Héctor Correa

Punta Alta, marzo de 2011

HOME o la última advertencia

Dirección: Yann Arthus-Bertrand.

País: Francia.

Año: 2009.

Duración: 120 min.

Género: Documental.

Guión: Isabelle Delannoy, Yann Arthus-Bertrand, Denis Carot y Yen Le Van.

Producción: Denis Carot y Luc Besson.

Música: Armand Amar.

Montaje: Yen Le Van.

“En los últimos 200.000 años, los humanos  han  alterado  el equilibrio  del  planeta  Tierra,  el equilibrio establecido por casi cuatro millones de años de evolución. Tenemos que actuar ahora. Es demasiado tarde para ser pesimista. El precio es demasiado alto. La humanidad  tiene poco tiempo  para  invertir la  tendencia a  un  cambio de  sus  patrones  de consumo.

A través de imágenes visualmente impresionantes de más de cincuenta países, todos las tomas desde una perspectiva aérea, Yann  Arthus-Bertrand  nos  muestra un panorama que en la mayoría de nosotros nunca hemos visto. Él comparte con nosotros su sentido de respeto por nuestro planeta y su preocupación por su salud. Con esta película, Arthus-Bertrand espera  proporcionar  un trampolín para impulsar un llamado a la acción de cuidar nuestro hogar.

HOME es la primera película que se ha realizado usando sólo imágenes aéreas.  La película es artística-activista, y va a caracterizar a Yann  en su debut en el cine  como director.

El tema de HOME es la compensación del carbono. Todas las  emisiones de  CO2  generadas por  la  realización de la película  se calculan y se  compensan con  sumas  de  dinero que  se utilizan para  proporcionar  energía  limpia  a los  que no  tienen ninguna.  En  los últimos diez años,  todo el  trabajo  de  YannArthus-Bertrand  ha  sido sobre la compensación del carbono.”

Del sitio oficial del film

 

Mirar los desastres que esta produciendo el hombre sobre nuestro planeta desde arriba, desde un costado o desde abajo creo que da lo mismo. Hemos escrudiñado las estrellas, la profundidad de los cráteres volcánicos, la inmensidad de los más altos picos, y la profundidad de los océanos. Nos hemos internado en la oscuridad de las impenetrables selvas y los extensos bosques, en los caudalosos y bravíos ríos, y en los calientes y agresivos desiertos, hemos seguido todo tipo de ser viviente sobre la tierra y los fenómenos más desconcertantes del planeta, y, así y todo, no hemos avanzado mucho sobre la consciencia del hombre para terminar de desolar lo que nos rodea. Y esto es lo más importante: la consciencia del hombre.

La cinematografía ha encarado, en toda su historia, muchas formas de plasmar, por un lado, sus relaciones con el prójimo, si pensamos que es también una manera de tomar y penetrar en la naturaleza y todo lo que rodea al hombre; de cómo se trate a sí mismo surge y se transparentan los vínculos con el entorno. Y por el otro, aquellas producciones, documentales o de ficción, que han tratado de comprender las complejas y a veces místicas relaciones del hombre con la tierra que pisa cotidianamente.

Entre las primeras, no hace falta indagar mucho para encontrarlas, toda la historia del cine es una constante búsqueda, los grandes maestros que en forma permanente han creado historias, propias o adaptadas del teatro o la novela son un ejemplo bien claro al mostrarnos las miserias, los violentos conflictos de la historia de la humanidad y las pequeñas relaciones individuales llenas de pasión y antropofagia.

Esta película trata sobre este último fenómeno. Otros films, productos del cine norteamericano, como no podía ser de otra manera, como “Soy leyenda” o “La ruta”, han descripto de alguna manera los escenarios apocalípticos que podemos tener a la vista, según Yann Arthus-Bertrand, si se cumplen los vaticinios que enuncia en “Home”. Desde este ángulo son films interesantes, apuntan a utilizar la imagen para conmocionar emocionalmente al espectador, que no es otro que el que consume y despilfarra lo que denuncia. Pero, vamos a ir de nuevo a esta obra, ya que detenernos en los otros films significaría entrar en el análisis de la estética neo-distópica de las grandes productoras y distribuidoras, donde se mezclan el horror, con el desastre ambiental y el retorno de los muertos vivos.

Apuntar, mediante imágenes bellas, impactantes y asombrosas, a desarrollar un tipo de consciencia para el activismo o la militancia ambientalista, es quizá uno de los desafíos más ingenuo, pero también provocativo, del cine contemporáneo. Y aquí, sí, debemos ir a otras experiencias cinematográficas que en anteriores notas, y en este mismo blog, hemos abordado. Nos referimos sin duda, a “Baraka” (1992) de Jon Friedke, “La trilogía Qatsi” de Godfrey Reggio (Koyaanisqatsi, Powaqqatsi, Naqoyqatsi –hechas entre 1983 y 2002), y las obras de Jacques Perrin, “Nómadas del viento” (2001), “Microcosmos” (1996) y “Océanos” (2009). Dejamos un poco de lado los magníficos documentales de la BBC de Londres  como “Earth”, ya que iluminan con la utilización de las últimas tecnologías nuestro planeta, y nos deslumbran con su magnificencia y prolijidad. En cambio, no podemos dejar de mencionar esa extraordinaria obra de denuncia y compaginación etnológica que es “Cuando los diques se rompen: réquiem en cuatro actos” (When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts -2006-), de Spike Lee, sobre el desastre provocado por el huracán Katrina sobre Nueva Orleans, Luisiana, EE.UU., quizá la más impactante y profunda sobre los procesos de exclusión social y cultural a los que se ven sometidos las distintas etnias en el país más desarrollado del mundo.

Cualquier tipo de militancia, sea esta política, ecologista o religiosa, requiere un proceso complejo, de toma de conciencia, de formación y de acción en el medio de que se trate. No creemos que “Avatar” sea un film dirigido a esta labor, si bien la ubicamos dentro de esas películas producidas por la super industria estadounidense donde el condimento sexual es reemplazado  por la cuota de denuncia emocionalmente controlada por la propia tecnología que coloca en el banquillo de los acusados. En cambio, Arthur Penn, Sam Peckinpah o Stanley Kubrick, con sus obras contribuyen a la formación del espectador sobre los aspectos más negros y desastrosos de la acción del hombre sobre su medio. Lo mismo intentaron autores de la talla de Visconti, Fellini o Bergman, nos mostraron sus mundos y sus concepciones donde el hombre podía, como en un espejo, verse a sí mismo en su problemático y nocivo paso por la vida.

En “Home” la actitud “positiva”, por su intención, es enseñarnos un planeta demasiado bello, visto desde las alturas, como para ser habitado por alguien tan dañino; más, no sólo bello sino destinado a ser destruido y con escaso tiempo para remediarlo. La desaparición del carbono por obra del propio hombre, sería el fin del mundo que pisamos. Aquí cabe un pequeña reflexión sobre los aborígenes y la defensa ancestral de la tierra. Ya lo habíamos hecho en otra nota y en la respuesta sioux en 1854 al presidente de la Unión titulada “LO QUE OCURRA CON LA TIERRA, RECAERÁ SOBRE LOS HIJOS DE LA TIERRA. HAY UNA UNIÓN EN TODO”. Recalquemos lo siguiente: la defensa de la tierra nunca será igual hoy, en el estadio tecnológico en el que nos encontramos, con Twitter y Facebook y toda la red, sea social o no, que en la virulenta época de las grandes matanzas de pueblos aborígenes durante la conquista de América, o la cruenta e infame penetración europea en África y Asia, en siglos anteriores, origen de la esclavitud y el sojuzgamiento inhumano de sus pueblos. Lo que significa que no es el mismo estado de consciencia, ayer y hoy, del blanco occidental y cristiano, que la del hombre originario, nómade primero y sedentario después de esos continentes. El reciente movimiento social en Egipto, pueblo milenario, rico y profundo, contra un estado dictatorial y distópico de más de treinta años (Mubarak), explicado por Obama y su vice, como producto del uso de la red social, quizá sea uno de los mayores insultos recibido por una sociedad, y, paradójicamente, por el propio derrocado. Caer, por obra de Twitter es en realidad peor que ser lanzado del poder por mensajitos de texto o por las cacerolas. Hasta tal punto de locura han llegado las explicaciones destinadas a banalizar, disminuir o minimizar cualquier estallido social legítimo y reivindicativo de los más elementales derechos del hombre, egipcio en este caso.

Desde el punto de vista técnico, fílmico y documental, la obra de Yann Arthus-Bertrand es magnífica. Uno se siente orgulloso de vivir en semejante planeta; henchido y feliz, son la sensaciones primarias que nos produce cuando nos sentamos y la primeras imágenes de Home comienzan a mostrar el origen y los fenómenos geológicos y paleontológicos de nuestro astro con sus mares, ríos, volcanes, selvas y bosques. Pero no termina así, sólo unos pocos años más podremos disfrutarlos sino hacemos algo para corregir nuestros errores, nos estamos equivocando y mucho, y, como un atisbo de esperanza, nos enseña algunas tentativas que en países desarrollados, por supuesto, se está encarando para paliar este estado. El cultivo bajo cubierta, el aprovechamiento de las fuentes alternativas de energía (sol, mares o vientos), y un mejor aprovechamiento del agua para riego y consumo, serían formas destinadas a beneficiar al hombre, todavía hay esperanza termina diciendo bajo un cúmulo de datos estadísticos sobre lo que estamos haciendo para destruir lo poco que queda. Pero, el desafío, el mayor desafío está dentro nuestro, en nuestra consciencia, todavía falta, llegar a tiempo será la única alternativa, sin duda.

Héctor Correa

Punta Alta, febrero de 2011